(この記事は、第222号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回の「たのしい音楽小話」は、ラ・フォル・ジュルネのお話です。

今やすっかりお馴染みとなったラ・フォル・ジュルネは、毎年ゴールデンウィーク期間に、東京国際フォーラムを中心に、大手町や丸の内、有楽町エリアで開催されている日本最大級のクラシック音楽祭です。(日本での正式名称は『ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン 「熱狂の日」音楽祭』)

朝9時半過ぎから夜の10時半過ぎまで、一日中コンサートが開催され、世界中から2000人もの演奏家が参加します。１公演が約45分と短時間で、チケット料金も手頃なので、一般的なクラシックのコンサートに比べて、気軽に参加できるものとなっています。

0歳から聴く事が出来るコンサートもあり、殆どのコンサートは3歳以上の入場が可能なので、小さなお子様にも、本物の生の音楽を聴かせることができる貴重な機会にもなっています。

以前は、「モーツァルト」や「ショパン」のように、毎年、特定の音楽家にテーマを絞っていましたが、最近は大きく転換し、普遍的な大きなテーマで開催されるようになりました。今年のテーマは、「ラ・ダンス 舞曲の祭典」で、クラシックの有名な音楽から、タンゴ、和太鼓、ジャズまで幅広く多彩なプログラムが用意されました。

そんな中から今回は、いろいろなクラシック音楽家のワルツ作品をまとめて演奏するコンサート「ワルツ賛」を聴いてきました。

会場は、ホールＡという東京国際フォーラムの中でも一番大きなホールで、5000席以上あります。舞台の左右に大きなスクリーンが設置してあり、ピアニストの指の動きや指揮者の表情までも、ライブで見られるようになっています。この大きな会場も、開演時は、ほぼ満席でした。

ロシア屈指の交響楽団であるウラル･フィルハーモニー管弦楽団と、巨匠キタエンコに師事していたドミトリー・リスの指揮で、ロシアの国民的作曲家グリンカの「幻想的ワルツ」からコンサートが始まりました。

ウラル･フィルハーモニー管弦楽団の演奏は、初めて聴きましたが、派手ではなく、落ち着いた上品な演奏をしていて、どこか素朴さも感じられました。指揮者のドミトリー・リスは、大きく手を振ってとても情熱的に、演奏をリードしていました。

グリンカの「幻想的ワルツ」の後は、同じロシアの作曲家ハチャトゥリアンの「仮面舞踏会」よりワルツが演奏されました。この音楽は、先日現役を引退された、フィギュアスケート選手の浅田真央選手が使用した音楽で有名ですね。

少し怪しい雰囲気の壮大なワルツの後には、元祖ロシア音楽の巨匠チャイコフスキーのバレエ音楽「くるみ割り人形」よりワルツが演奏されました。ロシアの音楽やバレエ音楽では、真っ先に挙げられるほど人気がある曲ですね。とてもロマンティックな優雅な音楽で、まさに夢のような世界でした。

そして、ガラッと雰囲気が変わり、北欧の作曲家シベリウスの悲しきワルツ、ヨハン・シュトラウス2世のワルツ「ウィーンの森の物語」と続きました。

「ウィーンの森の物語」は、年明けに世界中継されるニューイヤーコンサートでも定番の音楽で、ワルツと言えばウィンナーワルツと言う通り、ワルツの代名詞と言えるかと思います。

1814年～1815年に、オーストリア帝国の首都であったウィーンで開催されたウィーン会議をきっかけに、ヨーロッパ中に広まったワルツです。3拍子のリズムであることは、一般的なワルツと同じですが、2拍目がやや早いタイミングで演奏されるので、独特の「揺れ」が生まれるところが大きな特徴です。

なかなかの大作ですが、これで終わらず、最後にはフランスの作曲家ラヴェルの「ラ・ヴァルス」が演奏されました。これまで演奏されたワルツとは大きく異なる独特の世界観ですが、ワルツの幅広い可能性を感じ、コンサート全体もボリュームのある満足度が高いものとなりました。

コンサートを聴いた後は、屋台のお店を見て回りました。東京国際フォーラムの敷地には、様々なメニューのお店が並び、ビールやワインなどのアルコール類もありますので、みなさん思い思いに休憩をされたり、ランチを楽しんでいました。

会場を少し離れて、第一生命保険日比谷本社のロビーで開催された、モーツァルトのコレクション展とコンサートも覗いてみました。この建物は、戦後しばらく GHQ の総司令部として使われていたものです。（現在は、一部を残してタワービルになっています）

国際モーツァルテウム財団所有の貴重なモーツァルトの直筆譜や絵画などが展示されていました。

その中でもひときわ注目されたのが、モーツァルトが使用していた２挺のヴァイオリンです。モーツァルトが愛用していた楽器が、展示されるだけではなく、実際にコンサートでも使用されるとは滅多にないことです。

８歳くらいの時に使用していたそうで、パッと見ると、「うわ～小さい」と思いました。コンサートでは12歳の少年が演奏しましたが、やはり楽器がかなり小さく見えました。演奏も、結構大変だったのではないかと思います。

まるでおもちゃの様に見えるヴァイオリンですが、実際に音を聴きますと、おもちゃというのはとんでもなく、小さくても一般的なサイズのヴァイオリンと同じような、深みのある音が出てきて驚きました。さすが、モーツァルト愛用の楽器ですね。

このラ・フォル・ジュルネの期間中、歩行者天国などでもヴァイオリン演奏が聞こえてきたりと、オフィス街のエリア全体で音楽が楽しめました。

東京では今回が13回目の開催となり、すっかり定着した音楽祭ですが、出店しているお店が以前より少し減っていたり、グッズも少しマンネリ化してきている気もします。

今後どのように改革されていくのかも、楽しみに見ていきたいと思います。

(この記事は、第219号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回の「たのしい音楽小話」は、楽譜選びのお話です。

ピアノを始めてしばらくしますと、モーツァルトやベートーヴェン、ショパンのような有名な作曲家の音楽を弾くようになってきます。

その時に、楽譜はどのように選んでいますか？

「ピアノ名曲集」のようなものを使われている方が多いかもしれません。色々な作曲家の有名な曲をまとめた楽譜で、たくさんの曲目が入っていて割とお手頃価格なので、1冊持っていると便利です。

スポーツやお仕事、勉強では、ユニフォームやパソコン、筆記用具など使う道具にこだわる方も多いと思いますが、ピアノを弾く時に必要な楽器や楽譜については、こだわる方が思いのほか少ない気がして、不思議に思っています。

楽譜については、「昔作られた音楽を楽譜にして印刷しているだけだから、内容が変わるわけがない。どれも一緒」と思われている節もあるのでしょうが、実はかなり出版社によって異なるのです。

お好きなクラシック音楽を、複数の異なる演奏者の演奏で聴き比べてみて下さい。

同じ音楽を演奏しているはずなのに、テンポやフレーズ、ニュアンスなど、同じ演奏は存在せず随分と違うと感じると思います。それを、演奏者の個性と捉えられる部分もありますが、実は使用している楽譜が異なるために、違う演奏になっている可能性も大いにあるのです。

例えば、バロック期のバッハの音楽には、強弱記号やスラーなどの記述は、ほとんどありません。ヘンレ版やウィーン原典版などを見ますと、殆ど音符のみの楽譜で、とてもシンプルです。

しかし、強弱記号が書かれていないから、好きな強さで弾くとか、最初から最後までずっと同じ強さのまま演奏するというわけではありません。当時の楽譜は、作曲した自分自身やその当時の演奏者が見るものなので、その時代に当たり前のように行っていた演奏習慣については、わざわざ書かれていないのです。

そのため、自分で当時の時代背景を理解しながら曲を分析し、作曲者が曲に込めた意図を導き出して、適切な強弱やフレーズで弾く事になります。

しかし、それは難しいので、各出版社や校訂者が、いろいろな資料を基に、「このように弾いたら良いのではないか」という意見を楽譜に記入していきました。ブゾーニが校訂した「ブゾーニ版」や、井口基成が校訂した「春秋社版」などの楽譜には、このような後から追加した指示が、かなり事細かに書かれています。

バロック期、古典派の時代を経て、ロマン派のショパンの音楽になりますと、本当にいろいろな出版社から楽譜が出されています。先程の「聴き比べ」も、ショパンの音楽で行ってみますと、とてもはっきりと違いがわかると思います。

これは、ショパンの音楽作品ならではの事情もあります。

ショパンが生前、自分で出版していた作品は、フランス、ドイツ、イギリスの3カ国で同時に出版されていました。そのため、３つの原稿が必要になります。オリジナルの楽譜である直筆譜を書き写したもの、試し刷りや校訂刷り、そして、それらの楽譜をショパンがチェックした際に、自ら書き換えたものもかなりありました。オリジナルの楽譜でも、それを読み取る時の誤りや印刷した時の誤りも混ざってきます。

どれもショパンの同じ作品なのですが、このような事情でいろいろと異なった楽譜が出版されていきました。

それに加えて、ショパンはレッスン中に、お弟子さんによって曲を書き加えたり書き換えたりしていきました。それらの資料を参考に作られている楽譜もあり、また後の時代の演奏者が、自らの研究や経験を踏まえたアドヴァイスを書き加えたものもあります。

ショパンの作品の中には、生前に出版されなかったものも多くあります。例えば、大変有名で人気のある「幻想即興曲」なども、これに当たります。

ショパン自身が出版を望まず、破棄してほしいと望んでいたのですが、ショパンの親友が遺族の了解を得てショパンの死後に出版されました。それらの作品は、出版したショパンの親友が書き加えり、書き替えたりした部分もあるようです。

有名な曲を弾く時には、お手軽な名曲集だけでなく、楽譜売り場に足を運んで、「ショパン」「べートーヴェン」など作曲家のカテゴリー別になっているコーナーを見てみて下さい。曲目ごとに色々な出版社の楽譜が並んでいます。それらの楽譜を見比べたり、楽譜を見ながら音楽を聴いたり、ご自分で弾いてみて、一番ご自分に合う楽譜を見つけてみましょう。

ピアノを楽しむ幅が、さらに広がるのではないでしょうか。

(この記事は、第217号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回の「たのしい音楽小話」は、「難しいピアノ曲」についてのお話です。

少し前ですが、日曜日に放送されている「題名のない音楽会」を見ました。日曜の午前中に、気軽にクラシックを楽しめる番組で、大変な長寿番組ですね。

その日は、「難しいピアノ曲と作曲家」というテーマでしたが、「チョップスティック ハンガリー狂詩曲風」というピアノの連弾から始まりました。

左右それぞれの手の指1本づつ、計2本の指で弾く事から名前が付いた「チョップスティック(お箸)」という作品を、リストのハンガリー狂詩曲のような、超絶技巧の連弾の曲にアレンジしている作品です。

原曲を弾いたことがある方もおられると思いますが、とても軽快でかわいらしい雰囲気の楽しい音楽です。それを、ハンガリー狂詩曲風にアレンジしますと、どんどん音数も増えて、演奏の最中に高音部の方が、低音部に移動したり、とてもゴージャスな音楽になっていました。

そのあとは、ストラヴィンスキー作曲 G.アゴスティ編曲の「火の鳥」より「凶悪な踊り」を取り上げて、オーケストラの作品をピアノで弾く時に難しいところについて、アナウンサーとヴァイオリニストの後藤龍さん、ゲストのピアニスト２人とトークを繰り広げました。

簡単にまとめると、以下の3点が難しいところのようです。

・ ピアノ１台でオーケストラの音域を演奏するので、跳躍が激しく、瞬間的に高音を弾いて、直後に低音を弾くような手の動きになり、音を間違えないように弾くのが難しい。

・ 広い音域を弾くので、腰を浮かさなければならない。

・ 同じメロディーを、次々と違う楽器で弾いている所を弾き分ける必要がある。

その後、ピアニストが実際に演奏されましたが、司会の後藤龍さんが、「これは凄いなあ」という表情で、演奏に見入っていた姿が印象的でした。

演奏と共に、テレビ画面には、「弦楽器のピチカート（弦を指ではじく）をピアノで表現するのが難しいです」とか、「通常、ピアノの楽譜は２段の五線で書かれていますが、この場面では３段の楽譜で書かれています」など、随所に演奏者のコメントが流されていて、聴くポイントがわかりやすいと思いました。

「難しい曲」というと、ヴァイオリニストでもあったパガニーニが有名で、物凄いテクニックで「魅せる」ことをしていたわけですが、それをピアノの世界で行っていたのが、ピアノ界のスーパースターとも言われるリストです。

番組では、リストと同時代で、リストからも超絶技巧ぶりを恐れられていたアルカンという作曲家の「鉄道」という練習曲が演奏されました。演奏は、アルカンの作品のみを演奏するリサイタルを行い、ネットの世界で「ピアニート公爵」としても注目されているピアニストの森下さんです。

楽譜を見ると、音数も思ったほど多くなく、一見するとそんなに難しそうに見えないのですが、右手に延々と16分音符が続き、しかも物凄くテンポの速い曲で、テレビ画面には、演奏されている場所の楽譜が映されているのですが、本当にテンポが速いので、映されている楽譜も凄い速さで動いていき、目が追い付かなくなりそうな感じでした。

司会の後藤龍さんも、あまりの凄さに笑いが出ていましたが、ペダルの踏み替えも、スゴイ速さで行っており、演奏している森下さんも、弾き終わった後、「はあ～」とため息を付いていたのが印象的でした。やはり、ピアニストにとっても、演奏するのが大変なのですね。

番組の最後には、バラキレフ作曲の「イスラメイ(東洋的幻想曲)」が演奏されました。イスラメイは、コーカサス地方の民族舞曲の事なのだそうです。

19世紀の有名なピアニストであるハンス・フォン・ビューローが、「あらゆるピアノ曲の中で一番難しい」と話していたそうです。私が音楽大学に通っていた頃、卒業試験に、この作品を弾いていた人が何人もいました。

細かい音符がたくさん出てきて、当時は、「とにかく息つく暇もない難曲」という印象でしたが、今改めて聴いてみますと、それだけではなく、色々な表情のある面白い作品だなあと思いました。

難しいテクニックの作品は、どうしてもその難しさに目がいきがちですが、その先にある表情豊かな音楽を楽しむことを忘れずに鑑賞したいものですね。

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